Reseña: Thelma & Louise (1991) de Ridley Scott

Yo te la recomiendo porque…

Simplemente me hallo extasiado, hacía tiempo que no veía una película tan buena, me refiero a tan identificante, es genial, le vi por recomendación de Itzel López Nájera, te agradezco en éstas breves líneas Itzel[1]; ha sido un gusto compartir lo que me comentaste cuando me la recomendaste «es una película hermosa» realmente estoy de acuerdo, ya refiriéndome a la trama de la película se habla sobre una gran aventura que viven dos amigas[2], ellas son Thelma Yvonne Dickinson y Louise Elizabeth Sawyer.

Thelma se encuentra casada con Darryl, un sujeto nada agradable que privaba a la pequeña de todo y cuando digo todo es todo por otra parte, Louise era mesera de una cafetería y con frustraciones en el amor ya que no era correspondida como quisiera. Ambas deciden darse el gusto de pasearse, tomar “posiblemente” el sol a lado de una playa (casi casi como en cierta parte de la película le dijo Thel a Darryl que estaba pescando en las montañas con Lou) pero todo se volvió patas arriba, de haber sido un plan ingenuo por liberar un poco el estrés se convirtió en la experiencia de su vida, literalmente. No sé qué opinen ustedes pero a mí en lo particular me sentí identificado con aquella forma tan valiente de atreverse a vivir lo que quieres, mostrar tu coraje, demostrar con qué jodidamente no estás de acuerdo, liberarte del prejuicio (aunque claro, la muerte no es un tema que me lo tome tal cual pero siendo una película… ); ahora bien, van disociando cognoscitivamente sus males, les van convirtiendo en una especie de fama, de destino, sí, Thel sí actúa como loca y Louise  como neurótica pero nos van haciendo parte de ellas, es también debo agregar la primer película que veo de Ridley Scott por lo que diría que su género es la acción, romanticismo, locura. Hay una actuación de Brad Pitt en ésta entrega y sinceramente diría que lo único bueno de él es su cuerpo ja, no me jaló mucho la atención su actuación. Bueno, con éstas breves líneas cierro mi reseña, por cierto pido una disculpa por no haber subido reseñas desde el 16 de septiembre[3] pero he tenido evaluaciones en la Uni y se me ha hecho complicado, saludos.

Frases

—¿Perdón? No estoy acostumbrada a verte así, no te he visto así en mucho tiempo/ siempre estás tranquila —Bueno pues estoy hasta el tope de estar tranquila.

—Ésta es la maldita vida real Thelma.

—El cerebro te lleva lejos, pero la suerte se acaba.

—Nunca me había sentido tan viva.

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[1] Si así son de buenísimas tus recomendaciones les espero con gusto acá abajo en un comentario.
[2] Me asombra que cinegayonline.com (o sea el amigo Felix Redondo) le haya colocado como de temática gay, me parece un tanto arriesgado especular «mucho» a partir de un beso.
[3] El 18 fue mi cumple ja.

Reseña: Christiane F. (1981) de Uli Edel

Yo te la recomiendo porque…

La presente película está basada en la vida de Christiane Vera Felscherinow (quien hasta la actualidad sigue luchando contra éste terrible “enemigo” que es la droga) sin duda, una muestra de tenacidad, disciplina, fuerza, negocio, plasmó la realidad alemana en décadas anteriores, el asunto de la drogadicción y la adolescencia. La propia Christiane Vera describe, cómo la juventud se encuentra sumergida ante la llegada de la droga H (heroína). La misma película está dedicada a jóvenes que no lograron sobrevivir (así tal cual se dedica) es, sin duda, un asunto triste (por no ocupar el término “melancólico”) Thomas Haustein protagoniza a Detlef, sin duda triste el hecho de que tanta belleza se vaya al cúmulo de la condición humana[1]. Le he dado 4 de 5 debido a que me sentí identificado de cierta forma, yo estuve bajo la drogadicción 1 año aproximadamente, agradezco el hecho de haber salido de ése mundo. Me gustaría aquí poner una metáfora: la calle es una drogadicta, la drogadicta más vieja, la juventud son los gramos de heroína que le calman, le equilibran, restauran, le generan éxtasis, calma, placer sexual, la calle, siendo un espacio fuera del hogar resulta ser el mundo de destrucción… La calle a cuando se le ha pasado el efecto se hace fría, cuando ésto pasa, sume en ése mundo a miles de jóvenes, no se quiere quedar sola, finge que algún día podrá salir de tal, que la capacidad de pensamiento le salvará, que algo externo, lo hará. Bueno, les dejo, hasta la próxima.

Frases

Meados y mierda por todas partes. Es lo que se ve si echas un vistazo.

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[1] Pier Paolo Pasolini sin duda le contrataría para Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975).

Reseña: Pompoko (1994) de Isao Takahata

Yo te la recomiendo porque…

Si bien debo aceptar que La tumba de las luciérnagas (2012) me gustó mucho ya que —haciendo a un lado la cuestión del anime— se da un mensaje reflexivo sobre Japón. Ojalá que en México pasará algo parecido, dar pauta a la reflexión en los hogares por medio de algo tan llamativo como lo es el anime[1] pero bueno, es interesante pensar en lo que éste mundo de producción caricaturesca produce, Takahata realmente te sumerge en un mundo, no es casualidad que Hayao Miyazaki haya decidido que quien debía develar al mundo ésto sería él, es una película lindísima, muestra la situación que vivieron muchos animalitos por 1960 en Japón, frente a una acelerada industrialización que cada vez tala más y más árboles, dejando a éstos primeros en un estado de vulnerabilidad indiscutible, en La tumba de las luciérnagas[2] también podemos notar éste ambiente melancólico, realista, en el que cabe nuestra realidad, sin duda Japón debe mucho reconocimiento a sus artistas.

La trama versa sobre lo que viven —específicamente— mapaches (que son conocidos en Japón como tanuqui y que tienen cierta aura divina) siendo derrumbado su hogar, los árboles, los bosques, las colinas, los montes, ellos se encuentran preocupados sobre lo que les puede ocurrir, su extinción. Al igual que los hombres buscan su trascendencia, buscan ser reconocidos y preservados en su hogar, los hombres por otra parte son incrédulos de sus intenciones, no ven más allá de lo que se les ha mostrado ver, la famosa civilización, nuestros amigos mapaches luchan (ellos tienen la capacidad de transformarse en lo que quieran, pues de acuerdo a la mitología japonesa así es) sin embargo sus esfuerzos parecen ser en vano, pese a éso, buscan otras formas de llegar al hombre, tocar su corazón, de alguna forma podemos sacar la reflexión de que es por medio del arte la única forma en la cual tocar hasta al corazón más duro. Sin duda tiene sus momentos tristes, felices, esplendorosos[3], fascinante y recomendable, nos vemos hasta la próxima.

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Creo que ser ó no ser, esa es la pregunta.

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[1] Aunque el caso mexicano en lo que respecta a la programación en televisión se trata de alienación, no es de lo que quiero hablar en ésta entrada.
[2] Que es hasta momento, 14/09/2016 la única otra producción de Isao que he visto.
[3] Por un momento, recordé la película Paprika (2006) de Satoshi Kon, de la cual hice reseña y dejo el link acá: https://yosoylallama.wordpress.com/2016/08/12/resena-paprika-2006-de-satoshi-kon/

Reseña: Resident evil (2002) de Paul W. S. Anderson

Yo te la recomiendo porque…

La presente película (base de la saga) muestra cómo iniciaron los problemas, razones humanas. En la presente se muestra también cómo los procesos políticos de Umbrella se encuentran distantes a los sociales, la experimentación con animales (conejos, perros), la creación de vida artificial, sueros extraños y demás, era parte de las acciones que se realizaban a miles de metros bajo tierra, Alice Abernathy era encargada de rastrear entradas, portar códigos secretos, expedientes, archivos, entrada al virus T, etcétera, por lo que es contactada por la hermana de Matt Adison —aparentemente— para vivificar de la muerte a un ser querido, el virus T es expandido por Spencer Parks (quien se supone es la pareja de Alice) en la búsqueda de tal, al parecer estaba encubierto, era una maldita arpía «vaya que las palabras de Rain tienen mucho sentido cuando se refiere a él» fue un tonto, comido sí «por supuesto» por lo que parece ser la mutación de un conejo en cierto momento de la película. Ahora bien, haciendo de lado el coraje respecto a éste tipo, hablaré sobre la trama de la película, es un virus que hace que las personas fallecidas vuelvan a la vida totalmente bajo el signo zombie, comen, atacan, no sienten dolor, simplemente son muertos vivientes. Se encuentran en una misión dificilísima «¿cómo sobrevivir a hombres que buscan comerte en masa?», la película muestra lo complicado que sería controlar una situación de tal envergadura, veré por supuesto las continuaciones para por fin cuando salga Resident evil: the final chapter pueda disfrutarle comiendo unas ricas palomas, amo el cine, de verdad que no entiendo porqué hasta ahora es que me he clavado… Error tras error, no hay más, bueno, me despido.

Avance de saga…

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Reseña: Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock

Yo te la recomiendo porque…

La presente película (que es de hecho la primera que veo de Alfred Hitchcock) me ha parecido interesante más no me puedo arriesgar a catalogarla como buena. Busca explicar la relación entre Ed Gein y Norman Bates[1]. Me ha parecido una excelente adaptación, empero, no considero que haya sido lo suficientemente cautivante para adentrarnos a la mente de Norman Bates, más bien, he llegado a pensar que tiene que ver con el discurso sobre la operatividad legal con alguien que presenta acciones y reacciones psicológicamente patológicas. Éso es lo que personalmente me ha quedado claro. Respecto a la trama, Norman Bates es el único hijo de la Sra. Bates quien, siempre se había mantenido como madre soltera hasta que conoció al enemigo de Norman, éste último creía que su madre realmente era de él y sólo para él, también un argumento importante aquí es el tipo de relación que exigía la madre hacia él, muy posesiva al respecto, ahora bien, cuando Norman Bates se sintió reemplazado[2] de tal forma que la conformación estructural «ó de lo relativo a lo psíquico» le dictó que la única forma de seguir viviendo “bien” era asesinar a la pareja de su madre y a su vez a su madre, por la traición cometida (hacia sí misma bajo cierto sentido), lo hizo.

Nuestro querido Norman fue un chico muy cobarde, cobarde ante la vida, ante las herramientas que ahora utilizaría, ante el diálogo y el silencio, así que decide travestirse de su propia madre, simulando a su vez pues una normalidad[3], la historia transcurre bajo los ojos de Marion[4]. Ella había robado 40000 dólares del banco en el que trabajaba en una ciudad de Estados Unidos al Sr. Lowery. Llega al motel Bates (que de hecho sí existió) y es ahí cuando la trama significante de la entrega se hace presente.

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[1] Ed Gein fue un asesino y ladrón de tumbas estadounidense que fue utilizado como figura central por Robert Bloch (1959) mientras que Norman Bates es la figura retórica del cine.
[2] Véase Agostino (1982) de Mauro Bolognini para aclarar el sentido.
[3] La «normalidad» era que su madre le gritará, maltratará frente a cualquier persona que conociese porque simbolizaba traición.
[4] Protagonizada en ésta entrega por Janet Leigh.

Reseña: Mulholland drive (2002) de David Lynch

Yo te la recomiendo porque…

Tal vez comenta un error al comparar ésta entrega con la de Bress y Gruber (2004) pero es que, simplemente no me recuerda a otra con tal semejanza. La película cuenta la historia de Diane Selwyn (debería ya de colocar en mi blog que spoileo con todo) con respecto a su amada, soñada, ideal, Camila Rhodes, ella es una famosa actriz de Hollywood a quién le está yendo muy bien y prontamente contraerá matrimonio con Adam Kesher, Selwyn le tiene muchos celos[1]. De tal forma que la entrega se coloca bajo el género narrativa críptica. Es una película que ha de tener muchas interpretaciones[2], sin duda es una forma de hacer cine de forma distinta, no es lo típico, ya sabes… Ver una película, decir «Wow, qué genial ha estado, ahora a comer» sino que es una película que reta, reta al pensamiento, a la construcción del significado, me ha parecido apetecible, seguro habrá cosas que yo mismo iré desenvolviendo, por momento les puedo dar lo que yo considero la interpretación más verdadera (o sea la mía): Diane estaba enamorada de Rhodes —como ya lo deje claro…— Rhodes, en realidad le consideraba alguien estorbosa, sucia… todo lo que vemos en la entrega, es el sueño de Selwyn, lo que siempre quiso que hubiese pasado[3]. Sin embargo, todo ello es sólo lo que es, un sueño, un estúpido sueño, de una estúpida actriz, bajo una estúpida condición de Hollywood[4, 5], es, creo yo, un filme que hace crítica[6], continuando con lo que yo considero es la interpretación más verdadera, pienso que una actriz arruinada (tal vez semejante a la querida Elizabeth Woolridge) le vendió su alma al diablo a cambio de lograr lo que siempre quiso, la realidad no se hizo esperar y ahora lo que le atormenta es un pasado, un pasado irremediable, parte, sino de la historia per se, me gustaría escuchar la interpretación del lector al leerme, se trata de un sueño, un recuerdo, de algo que viene de lo más recóndito a hacerse presente por medio del cine, no sé si tal sea el estilo de Lynch (ya que es la primer película que veo de él) pero me parece más complejo, más soñador que el propio Stanley Kubrick (director que admiro en demasía), ahora bien prosiguiendo, si todo lo que ha pasado no es más que la verdad ¿qué sentido nos deja? ¿es acaso una inspiración, un error? una mujer que supo amar de la única forma que sabía… con locura (como lo dice Ángeles Mastretta) que a pesar de perder al único amor de su vida, prefirió ello que soportar la realidad. Se suicidó, las historias de amor por lo general nos hablan de ensoñamiento y desilusión, es trágico —por no decir crudo— ver los extremos que se pueden vivir en el amor, ya lo decía yo por ahí «el verdadero dolor del amor no consiste en no haber sido correspondido sino en no haber existido para el otro» un amor que pocas veces aparece así, junto con la frustración, junto con el pasado, junto a la decadencia, a la urgencia, Rhodes tal vez siguió viva, tal vez sólo enloqueció sin más nuestra querida Selwyn, todo puede ser mentira y ser verdad —a final de cuentas, el propio Lynch, no ha hecho juicio— vivimos el caos de una vida ajena y vivimos «una historia de amor en la ciudad de los sueños»[7], el amor que envenena, que desea poder, que está más allá del status quo, un amor que aunque en géneros distintos podría recordar a Lord Alfred Douglas y Oscar Wilde.

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[1] Y no precisamente por Kesher sino por Rhodes, es lesbiana, le ha ocultado su amor y admiración, cuestión que le lleva al límite.
[2] Y lo enuncio así debido a que no les he leído.
[3] Hecho que muestra su falta de «contacto», de demostrar sus sentimientos, en términos psicológicos podríamos decir que estamos ante un cuadro de esquizofrenia.
[4] Tal vez el Señor Lynch lo que busca mostrarnos es lo diáfano es la producción cultural de Hollywood, el sinsentido, lo vacuo, aquello que polemiza respecto de los fines, lo superficial del contexto.
[5] También puede ser que la actuación de Laura Harring nos recuerde a la de Natalie Portman (2011).
[6] Y que para ésto hay que revisar los antecedentes de tal entrega, es decir, de la idea de ser parte de la televisión a pasar al cine.
[7] Citado de David Lynch, https://es.wikipedia.org/wiki/Mulholland_Drive_(pel%C3%ADcula).

Reseña: La lengua de las mariposas (1999) de Jorge Mellado

 

Yo te la recomiendo porque…

Debo confesar que de historia yo no sé «y por medio de lo anterior dicho, trato de dejar claro que historia de España no es la excepción» ésto lo menciono para que con respecto a lo posterior no se me tome como que me he saltado tales hechos. La película de Jorge Medallo es una adaptación del cuento homónimo La lengua de las mariposas escrito por Manuel Rivas. Busca dar a conocer el contexto de la guerra civil española en la que tanto republicanos como «conservadores» contendían, la postura política parece tratarse de un credo. La película le vi bajo la materia Proceso aúlico (impartida por la Maestra Alba Alejandra Lira García, aunque si no mal recuerdo ya le había visto hace años…), le vimos con ciertos fines, por ejemplo, relacionar la teoría con la práctica (es decir, de la lectura sobre la pedagogía de la imagen con la película) algo que se puede ver en la película es el retrato del dolor hacia las personas de escasos recursos, vemos a una España sufriente, víctima recién de lo que será el ascenso de Francisco Franco, Moncho es el protagonista de la película, un nene de apenas unos 9 años —que teme ir a la escuela— por lo que le había transmitido su padre sobre ella. Sin embargo, al conocer a su profesor «Don Gregorio» se percata de que la escuela no es precisamente lo que se le había hecho creer, se convierte en un espacio de diversión y pasatiempo, descubriendo junto a su profesor la esplendorosa naturaleza[1].

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[1] De aquí que se haga la referencia sobre la modernización de la educación, el contacto con la naturaleza, el intercambio metodológico con la ciencia.