Reseña: El río y la muerte (1954) dir. Luis Buñuel…

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Procesión en Santa Bibiana

R E S E Ñ A

Esta es la primer y de la que he gustado mucho desde hace un tiempo… película que he visto de Luis Buñuel y me ha encantado, espero en un futuro cercano apreciar toda la filmografía que haya producido Buñuel, ya había escuchado de él desde hace un tiempo y me habían recomendado cintas de él, nunca me sentí lo suficientemente motivado como para acercarme, ahora ya lo he hecho y la espera ha valido profundamente “la pena”.

Algunas características de los directores suelen aparecer, impregnarse en sus obras y en este caso para El río y la muerte (1954) noto una gran crítica social al México post-revolucionario, invitación al mundo de la ciencia, ilustración de aquélla referencia al hombre como ser tanto racional como irracional y sobre lo que implica pertenecer y vivir en un pueblo, por parte de Luis Buñuel (cineasta que originalmente nació en Calanda, ESP pero que tras la Guerra Civil Española tuvo que marcharse a México, país en el que murió y se hizo ciudadano).

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Rómulo Menchaca y uno de sus amigos…

Toca la película uno de los temas que más me han llamado la atención en mi vida (de 23 años) y es la MUERTE, fenómeno colectivo que nos acaece a todos y a su vez, nos deja un sinfín de preguntas en nuestra cabeza sin poder resolver y un río llorado (tal vez metafóricamente este es el río que nos muestra Luis en la película). Esto es lo que sucede con las familias Anguiano y Menchaca, al menos en lo secreto, son personas machistas, ignorantes, llenas de odio y rabia que han creído que no hay de otra más que matar, matar al sobrino, al cuñado, al tío, al compadre/1/, etc. antes que querer razonar o llorar.

Yo la recomiendo mucho (no sólo por la considerable calidad que tiene) sino por grandes reflexiones que nos deja, a veces junto a tintes existencialistas y otras prácticos, y es que aunque yo vivo en México (Edo. de México) no conozco prácticamente nada del Cine Mexicano, sí, desafortunadamente, ahora ya puedo hacerlo y ya les estaré contando de las novedades que encuentre, curioso es que “la cultura mexicana” siempre ha llamado mi atención aunque no la conozca, hay un México del que gusto mucho y en esta película lo encontrarás, si tú ya has visto esta obra y tienes un comentario que agregar ¡hazlo!, podremos conversar por acá, saludos.

 

F R A S E S

A mí no me gusta quedar bien delante de la gente.

Yo llevo las enaguas puestas en su lugar y tú tienes que llevar los pantalones en el tuyo.

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Famoso baile de los “chinelos”

—Tal vez para ese día tampoco quiera reñir contigo, Rómulo, yo no quiero pasar por valiente sólo para darle gusto a mi madre y a los que como ella viven en aquel mundo salvaje.
—¿Salvaje? sólo un desgraciado como tú se atreve a criticar a su propia madre.
—Haces mal en insultarme Rómulo, yo no la critico a ella, la culpa la tiene el aislamiento del pueblo, la tradición, la incultura, mi madre es tan sólo una víctima como también lo es la tuya.
—Cállate lépero, de mi madre no habla ningún hijo de…

Uno sólo se debe jugar la vida por causas nobles.

¡Pues al diablo el pueblo!

SOBRE EL DIRECTOR…

A Luis Buñuel le gustaba jugar con la idea de que la casualidad fue la que lo trajo a México en 1946. Exiliado en los Estados Unidos desde el triunfo del franquismo en España, el realizador de La edad de oro (1930) trabajaba en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York como colaborador de un comité de propaganda anti-nazi destinado a los países de América Latina. Decidido a establecerse en América, Buñuel estaba a punto de adquirir la ciudadanía norteamericana cuando se vio sin trabajo debido a una indiscreción cometida por su antiguo amigo Salvador Dalí.

En su libro “La vida secreta de Salvador Dalí”, publicado en aquellos momentos, el pintor catalán calificaba a Buñuel de ateo. Un periodista del “Motion Pictures Herald” tomó esta declaración como base para atacar a Buñuel en un artículo en el que advertía sobre el peligro que significaba la presencia de tan escandaloso personaje en una institución cultural tan prestigiada como el MOMA. En cierto modo, lo ocurrido era más grave que una acusación de comunismo. Ante las presiones, Buñuel prefirió renunciar a su trabajo.

Sin dinero ni proyectos, Buñuel acudió a una cena en casa del cineasta René Clair en la que se encontró con Denise Tual, viuda del intérprete de Un perro andaluz (1928). Tual tenía el proyecto de producir en Francia una versión fílmica de “La casa de Bernarda Alba” de García Lorca y propuso a Buñuel que la dirigiese. Aunque reticente en un principio, el cineasta terminó aceptando el proyecto y comenzó a preparar su retorno detrás de la cámara. (f: http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/bunuel.html) 

C A L I F I C A C I Ó N

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/1/ Todo inicio de hecho, es decir la rivalidad Anguiano-Menchaca por “una simple broma” que le jugó un compadre a otro sobre su mujer, que le puede tomar y que no sé qué. Desde allí se genero una rivalidad partidista entre ambas familias a morir y con terribles consecuencias.
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Reseña: Coco (2017) de Lee Unkrich

Coco
Lee Unkrich

Productora(s): Pixar
Reparto: Miguel Rivera (Luis Ángel Gómez Jaramillo), Héctor (Gael García Bernal), Coco (Ana Ofelia Murguía)
País(es): México, Estados Unidos
Guionista(s): Adrian Molina, Matthew Aldrich
Duración: 1h 49min
Disponible en: 

¿Qué pasaría si pudiéramos reencontrarnos con nuestros familiares fallecidos hace tiempo? A partir de la colorida celebración mexicana del Día de los Muertos, Coco nos descubre el misterio de compartir la reunión familiar más extraordinaria y sorprendente, incluso con aquellos antepasados que murieron muchos años atrás.

La historia sigue a un niño de doce años de edad llamado Miguel, que vive con su familia en una zona rural de México, y cuyo sueño es la música y tocar la guitarra. Miguel desencadenará una serie de acontecimientos extraordinarios relacionados con un misterio centenario. La festividad del Día de los Muertos servirá como telón de fondo para que nuestro protagonista se pregunte de dónde viene, cuál es su lugar dentro de su familia, y cómo se han entretejido las relaciones familiares a través del tiempo. Una celebración de la vida, de la familia, los recuerdos y la conexión a través de diversas generaciones.

Filme de animación de la factoría Pixar dirigido por Lee Unkrich (Toy Story 3, Buscando a Nemo). Entre las voces protagonistas de la versión original están las de los actores Benjamin Bratt (Doctor Extraño, Infiltrados en Miami) y Gael García Bernal (Mozart in the Jungle, Neruda), además de la Anthony Gonzalez como el niño protagonista. (sensacine.com)

Yo te la recomiendo porque…

Es complicado que una producción de Pixar o Disney decepcione y Coco no es la excepción, esta obra en cuestión representa una festividad ícono en México, Día de muertos, y llega de hecho en una situación difícil/sensible a este país (sismos del 7 y 19 de septiembre de 2017 que dejaron centenares de muertes a su paso), no del todo sin embargo es triste Coco funge como una ventana al exterior dejando ver nuestra alimentación, cultura, artistas, etc.[1] netamente sensacional. Los lectores que tengan alguna noción de la cultura musical mexicana podrían sospechar al inicio de la película -como me sucedió a mí- que se trata de un tributo a Pedro Infante, El inmortal pero no es así como evidentemente se registra por más allá de la mitad de la obra, hasta ahora no puedo identificar -si es que se planteó realizarlo- de qué cantante mexicano quisieron “relatar su historia”.

Fui a verle con dos amigos y un bebé jaja, y el bebé estuvo muy atento a toda la película cuando yo pensaba que iba a ocurrir todo lo contrario pero, continuando la reseña me gustaría tocar algunas ideas que en lo particular capturaron mi atención, (1) la creencia como soporte de la vida, (2) el poder de la familia, (3) la segunda muerte o de la muerte final, (4) la imagen como verdad y (5) el recuerdo como resiliencia. (1) A un inicio de la película se muestra que la familia Rivera (con razón el apellido “de la Cruz” me parecía no concordar con la historia que va entretejiendo Miguel, protagonista joven de la película) es devota de colocar la famosa ofrenda de muertos (también hace esto mi familia) para poderse comunicar con los seres queridos y ex familiares que ya fallecieron (esto independientemente de los años que lleven, así como uno o cincuenta[2]), el día de muertos supone la entrada al mundo de los vivos por parte del mundo de los muertos, esto pasa en un día[3], esto genera la creencia de que hay vida más allá de la muerte y que esta es tranquila, armoniosa, que ya no hay sufrimiento y que nos podemos ir sin mayor preocupación, realmente se genera este ambiente y hasta se puede respirar, aunque por supuesto la evocación a la muerte, mental, genera disturbios emocionales.

Slavoj Zizek (filósofo, psicoanalista y critico cultural relevante) menciona en La Pasión en la era de la creencia descafeínada sobre cómo se está conformando actualmente una cultura hedonista moderna, suplantando, la transición de la creencia por otra que aunque puede ser radicalmente distinta de la primera (C1≠C2) genera una sensibilidad al goce más que al acto, las creencias se hacen intrínsecamente desechables y imprescindibles en esta época, Zizek por supuesto va más allá de un tipo de ideología, sugiere que continuamente, y por ende culturalmente igual, van emergiendo formas de ser hombre como simbiosis cultural que bajo una relación dialéctica y además global van permeando el performance que nosotros llamamos mundo, en otras palabras, la celebración día de muertos no puede ser estudiada, y además vivida, únicamente a través de la religión católica, son muchas culturas, actos, tradiciones, formas de convivencia, de recuerdo, parecidas y distintas completamente que, bajo ciertos puntos se encuentran y se dejan tanto de una como de otra elementos (C1→C2, C2→C1) y esto crea afinidad al hombre moderno, al hombre de nuestros días y alcance, olvido y progreso… 

La creencia se puede mostrar/aparecer en distintos planos, emocional, espiritual, intelectual, etcétera “y en constante avance”[4] y cada persona, “celebra” el día de muertos bajo diferente significado asignado, en la familia Rivera las creencias al rededor de este día enmarca un sentido colectivo (es decir de todos los integrantes…) por lo que implica cada uno de los símbolos colocados, con eso es con lo que viven y les ayuda en su día a día, al respecto del criterio de verdad en la creencia lo dejó insinuado por la extensión que cobraría el presente texto y la naturaleza políticamente correcta de lo que es “una reseña”.

(2) El poder de la familia es grande aunque muchas veces pasa inadvertido y no es para menos pues se trata del lugar de nuestra crianza, procedencia, valores, todas y cada una de las familias sin en cambio son diferentes entre sí y peculiares en su forma de dirigir a sus miembros, la familia de Miguel, la familia Rivera desde la partida del “padre abandonador” (Héctor) se habían dedicado todos los miembros, sin excepción, a la fabricación de zapatos (como herencia de mamá Imelda, ex esposa de Héctor) y a cualquier cosa relacionada con la música o esta misma se tenía que perseguir, denunciar, recriminar pues Héctor (tatarabuelo, bisabuelo, abuelo y padre) por ello es que les había “abandonado a todos”, por la música “por esta es que traicionó a su familia”… Todos los artistas son egoístas y arrogantes, dice tía Imelda y pues todo “estaba bien” hasta que llegó Miguel a esta familia.

En cambio a todos Miguel tenía la música en las venas, sentía el ritmo, el son… Todo, era un artista, lo que me hace recordar lo que una vez me decía una maestra a propósito de los artistas “ellos ya tienen la mitad dentro de sí lograda, sólo tienen que trabajar la otra para ser llamados grandes” y tiene razón y sentido. Y aunque para la familia Rivera el gran talento de Migue debería ser un motivo para festejar todo lo contrario, lo clausuraban más que a nadie, de la vigilancia no escapaba en especial de la abuelita (Renée Victor), así que si quería conservar ese goce, disfrute por la música tenía que hacerlo a escondidas y así es y así lo hizo, cabe mencionarse que Miguel tenía un ídolo musical y este es Ernesto de la Cruz (el personaje tiene mucho parecido a Pedro Infante…)  de quién admiraba todas sus creaciones y se las sabía de memoria, pues bueno de él se escondió mucho material y hasta le hizo un altar en su memoria para que su familia no lo rechazará si osaba colocar su foto en la ofrenda familiar… Todo era a escondidas, como sus conciertos privados que sólo Dante, su mascota xoloitzcuintle escuchaba.

El apoyo/rechazo de la familia sobre lo que uno quiere hacer, busca ser, se va conformando, la reacción que se toma ante nuestras decisiones es muy importante y nos seguirá influenciando a lo largo de mucho tiempo, es una suerte de fantasmas con los que liamos diariamente (por ello es que decía que muchas veces pasa inadvertido… Ante ojos ajenos parece invisible pero dentro de nosotros, no). Pese a que en la película la reflexión que se da es que es más importante la familia que la carrera (o cualquier cosa) mi postura es un tanto distinta[5], sugiero que bajo la figura de Ernesto de la Cruz no se debe hallar todo el antagonismo como “malo de la película” sino que es propio el reconocimiento a un hombre que luchó hasta el último momento por sus sueños (y vaya que brilló), la familia me parece importante pero tampoco son obtusas aquellas palabras registradas en la biblia, “y los enemigos del hombre serán los de sus misma casa” (La biblia de las Américas, Mt. 10:36) pero lo dejo abierto dada la importancia tanto de seguir nuestro camino como de la familia… Y es que de hecho en el cierre parece subrayarse que ambas cosas van de la mano, la familia y sueños personales, el punto entonces es equilibrarlos y darles orden por no irnos tras una parte y dejar la otra totalmente abandonada… Empero mi análisis no va sobre esto último sino en lo que se mostró prácticamente durante toda la cinta… 

(3) La segunda muerte o de la muerte final es trágico, poético, existencialista, absurdo, voy a iniciar con una frase de Céline (Before sunrise, 1995) que es la siguiente “pero amar a alguien… y ser amada realmente es importante para mí. Siempre me burlo de todo el asunto… pero, ¿qué no todo lo que hacemos es una manera de que nos amen un poco más?”, me parece que da en el blanco de una de las principales motivaciones de todo artista o no artista… Y es sobre el ser amados, que puede traducirse también como “no querer ser olvidados” ¿olvidados de quién, quiénes, para qué? parece que de nadie en específico pero por igual de todos… el miedo y el amor son relacionales, opuesto pero vinculados, existe un cierto terror a ser olvidados (como ya lo mencioné más arriba) y que cae a un sentido ilógico, patológico, etc. y que puede pasar inadvertido (junto a esos fantasmas también dichos) pero terminará reflejándose en cierto tipo de comportamientos… Comportamientos para no ser olvidados, para ser amados un poquito más.

En el proceso artístico a veces está consciente, a veces no, pero finalmente uno se topa con un alma insatisfecha que, a través del cine, el arte, la literatura, busca satisfacer, llenar la mente de recuerdo, color, forma, brillo, olor, para sentirse un poco amado (se le llama también búsqueda de reconocimiento) pero no olvidado al final de cuentas… Te puede olvidar una generación a cierta edad pero la siguiente te “levantará de entre los muertos”, habrás dejado entonces tu marca en este mundo ¿para qué escribo yo? y eso se presenta como consciencia consoladora frente a un universo de creación y destrucción constante… Así es como habitamos pero no se dice, hay muchas cosas que no se dicen y son esenciales, cuando en la película se muestra en cierta parte que hay un lugar llamado “de los olvidados” iba a llorar, te acercan a un vórtice, el olvido y me da mucha tristeza saberme incompleto, inmerecedor, inmundo que, si ello existiera tal vez iría a parar allí… Y a algún momento como le sucedió a aquel amigo de Héctor, desaparecería sencillamente, me da mucho miedo pensar que sólo sería un inquilino de unas cuántas semanas y posteriormente sólo me desvanecería, me hundiría bajo la palabra “humanidad”, sin nadie que me recuerde, sin ningún mérito para ser recordado, sin pena ni gloria por los siglos de los siglos… Que todos mis sentimientos y sueños se han ido por el drenaje… Es tan doloroso.

El argumento de la película dice que a quiénes les olvidan se esfuman, sirve como aviso el que sus familiares/seres queridos no pongan su foto en la ofrenda (que es una idea religiosa), eso pasa con Héctor, su familia le había odiado bajo la dirección de mamá Imelda ya que según esta última les había abandonado pero no, la realidad es que lo envenenó Ernesto de la Cruz (ex amigo y compañero de canto) y este hombre se ve ante la circunstancia de poder desaparecer para siempre, eso es a lo que se le llama la muerte final o segunda (la biblia así mismo lo trata), finalmente sucede algo inesperado que, a mí parecer es la parte más alta de la película, cuando Miguel le canta a Coco (hija de Héctor y mamá Imelda) para que recuerde aquella alma de años y os sorprenderá. (4) Esta parte es muy sencilla y breve, es interesante poner en tensión todas aquellas imágenes del mundo que se nos presentan como imperecederas y estáticas pues la vida y los seres humanos no somos así, esto lo descubre Miguel de una forma abrupta cuando conoce el alma negra y asesina de Ernesto de la Cruz siendo que él lo tenía por su mayor inspiración y podía decirse que daba su vida entera por él, la imagen lo cegó, lo adoctrinó y descubrió que Héctor (a quién negó y detestó) era su añorada estrella en espera de él…

Por último (5) es inspirador y más porque es algo que he llegado a valorar con el tiempo, el valor, la fuerza del recuerdo… Hay veces que los recuerdos reconfortan más el alma que los propios hechos, pues los recuerdos representan pedazos de lo que estamos hechos y nos ayudan a seguir en el día, la resiliencia es un tema de moda, psicológico que nos ayuda a “levantarnos” de una estación difícil de la vida… Puse “el recuerdo como resiliencia” debido a que funciona terapéuticamente y se puede manejar así, es lo que sucede por medio de la música con Coco cuando su bisnieto le canta “recuérdame” de Marco Antonio Solís (Ernesto de la Cruz), ella comienza a vivir (recordar es volver a vivir) cuando niña y cuando su papá le cantaba… Ayudo eso a tener una muerte en paz, estas son las ideas que yo extraje, si tú también lo hiciste lector, puedes dejar un comentario abajo y con gusto conversamos.

Frases

La música es mi lengua y el mundo es mi familia. #Coco#música#DeLaCruz

La música no sólo está en mí, es lo que soy. #Coco#película#música

Tráiler

Calificación

 


[1] Pese a que se perpetúe aquel estereotipo elitista (que en su momento estudió Octavio Paz) sobre el mexicano, cabello oscuro, caballo, sombrero, mariachi que, viene constituyendo a su vez una perspectiva eurocentrista. 

[2] En el caso de mí tío que año con año le velamos (acá un vídeo) ya tiene 31 años de fallecido y se le sigue recordando, tal vez el recuerdo anual es una especie de círculo transgeneracional que evidencia el terror que le tenemos al olvido y cómo esto refleja una realidad tan fuerte como incierta, cedemos en este ritual bajo la añoranza que no seremos olvidados del todo o al menos no por un día, celebrando el día de muertos.

[3] Si no me equivoco, se designan dos días en México, 1ro de noviembre para “las almas” de los niños, bebés, ciertos jóvenes, que fallecieron y el 2do para las de los adultos, para cada uno es un tipo de ofrenda.

[4] Léase Lógica de las ciencias sociales de Karl Popper, para entender este sentido.

[5] De hecho en la película parece contradecirse porque mientras a un inicio se dan los siguientes mensajes, “el artista está condenado a la soledad, no puedes mezclarte cuando tú naciste para sobresalir, el artista tiene como familia a la humanidad entera” posteriormente se dan estos otros, “primero es la familia, aceptar bajo todas las condiciones…”, sinceramente es confuso y no me termina de convencer esta per se sobre cierto mensaje que se quiera dar…

Reseña: Maléfica (2014) de Robert Stromberg

mal.jpgMaléfica
Robert Stromberg

Productora(s): Walt Disney Pictures, Roth Films
Reparto: Angelina Jolie, Brenton Thwaites, Sam Riley
País: Estados Unidos, Reino Unido
Guionista(s): Linda Woolverton
Duración: 97 minutos
Disponible en: https://www.netflix.com/mx

Maléfica es una bellísima joven con un corazón puro y unas asombrosas alas negras. Crece en un entorno idílico, un apacible reino en el bosque, hasta que un día un ejército de invasores humanos amenaza la armonía del país. Maléfica se erige en la temible protectora de su reino, pero al final es objeto de una despiadada traición que endurecerá su corazón hasta convertirlo en piedra.

Yo te la recomiendo porque…

Maléfica al igual que Un monstruo viene a vermeBefore sunrise es una película en la cual estuve la mayoría del tiempo conmovido, conmovido por lo que ilustraba y parecía decirme exclusivamente a mí, “¿cómo se siente ser una bella hada sin sus alas?”, esto es lo que le pasó a Maléfica al igual que a mí, parece que ha perdido sus alas para siempre y junto a esto un fracaso amoroso que le dolió hasta el alma, todo en su conjunto hizo que a Maléfica se le represente como el mal en la película (y en la historia de la bella durmiente) pero la historia verdadera está ahora por develarse.

Maléfica no es un hada mala sólo un ser incomprendido, eso es de lo que más me dolió, nunca fue amada (salvo Aurora y Diabal) al menos no como ella quiso (que me recuerda a la siguiente canción: Yo no lloro por llorar de Ana Victoria), a quién ella quería para esposo (y que tiene un sentido de pertenencia lógico), compañero, ambos protectores del Páramo, Rey Stefan era, empero no se pudo y a ella le toco quedarse sola y con las alas cortadas ¡qué horrible destino y realidad!, todo no es oscuro sin embargo, hay una luz que se alcanza al fondo a ver del hoyo y es la venganza, sí, como suena, aunque se debate sobre la pertenencia de la venganza en temas sociales es una expresión (sino es que la más) humana y profunda.

Espero que también les haya gustado y si así es no olviden dejarlo en los comentarios, olvidaba decir que la pieza ‘Once upon a time’ de Lana del Rey para la película es fenomenal, para mí Maléfica a pesar del tiempo (y de los años que vengan) será una verdadera obra maestra, también el protagonismo de Diabal (Sam Riley) como cuervo es sublime, no recuerdo si les he mencionado que en varios sueños (y pesadillas por igual) que he tenido me veo como un ave, no estoy seguro sobre que sea una en específico como cuervo, águila, etc.

Frases

Al caminar las arrastraba por lo grandes que eran, y eran fuertes, me sostenían por sobre las nubes y contra los vientos.

Tú eres el mal que hay en el mundo, eres tú.

Jamás vi a una chica más linda.

¿Cómo se siente ser una bella hada sin sus alas?

Tráiler

Sobre el director…

Robert.jpgRobert Stromberg (nacido en 1965) es un artista estadounidense especializado en efectos especiales artista, diseñador de producción y dirección de cine. En los extensos créditos de Stromberg, se incluyen grandes éxitos de taquilla como Avatar, de James CameronAlicia en el país de las maravillas de Tim Burton y, más recientemente, Oz the Great and Powerful de Sam Raimi, tiene dos Premios Óscar por su dirección de arte. Por primera vez, hizo su debut como director en el 2014 en la película de Disney, interpretada por Angelina JolieMaléfica, una reinvención de la icónica villana de Disney, de la película animada La bella durmiente. (es.wikipedia.org)

Calificación

5 de 5

Me gusta, pero me asusta (2017) de Beto Gómez

megustaMe gusta, pero me asusta
Beto Gómez

Productora(s): Grupo Telefilms, Wetzer Films
Reparto:  Alejandro Speitzer
País: México
Guionista(s): Beto Gómez, Aurora Jauregui, Alfonso Suárez
Duración:
Disponible en: http://aquipelis.net/me-gusta-me-asusta-online-2017-espanol-latino-descargar-pelicula-completa/

Dicen que todos los mexicanos somos iguales, pero eso… está por verse. Brayan Rodríguez, descendiente de una de las familias más influyentes de Sinaloa, es el elegido para conquistar la gran ciudad expandiendo los negocios secretos de su familia. Claudia es la clásica soñadora confundida, viviendo su año sabático mientras “encuentra su vocación”; todo a expensas de su padre. ¿Imaginas qué podría pasar si estos dos mundos se encontraran? Personajes extravagantes y llenos de contrastes desencadenarán una historia en donde más de uno nos identificaremos. (cinepolis.com)

Yo te la recomiendo porque…

Yo tenía mis dudas con la película, debo admitirlo, esto fue sin embargo al no haber escuchado de esta película antes y encontrarme frente a cartelera (la película que yo quería ver era Madre de Darren Aronofsky, el mismo director de El cisne negro, 2011) y “con compañía” me vi “como obligado” de verme esta película pero después de todo la experiencia ante “tal decisión” no fue reprobable, más bien la agradecí, esta es la primer película que veo de Beto Gómez y la calidad me parece buena (debemos reconocer que en la historia del cine no tenemos buen lugar).

La película va de lo siguiente, se trata del amor de Claudia y Brayan, este último es descendiente influyente de una familia sinaloense que se dedica a la exportación de carnes de buena calidad y que se ve en la obligación de irse a la capital a curtirse sobre el negocio, él no quiere esto pues lo que verdaderamente desea es ser chef, mientras que la primera, Claudia, no sabe lo que quiere (vive junto a dos amigos, no recuerdo sus nombres la verdad pero uno de ellos es argentina) y está bajo la presión de su padre sobre que se dedique a algo productivo pero ella no colabora mucho al respecto. El clímax de la película y la historia se da cuando ambos se conocen bajo extrañas circunstancias, es un amor particular el que viven y de ensueño.

Me sentí íntimamente relacionado con su amor ¡cuánto me gustaría tener un amor así,  es tan mágico! pero mi vida no es de esta forma, me tengo que conformar con las sobras al parecer, la sinopsis de Cinépolis dice que de alguna u otra manera a todos nos tocará identificarnos y creo que es verdad, se las recomiendo ampliamente, no se aburrirán en ningún momento además el humor está al 100, me despido aunque ya no vi Madre espero en un futuro sí hacerlo, los quiero.

Tráiler

Sobre el director…

Beto.jpgNacido en Sinaloa, México, con un cuerpo de trabajo, donde la comedia y el drama generalmente fluyen juntos, también es reconocida por el uso de elementos de la cultura popular mexicana y latina. Su sentido del humor informal y su dirección precisa de los actores son dos de las características de su trabajo, donde se utiliza para ensemble elencos peculiares de actores y actrices de muy diferentes orígenes, logrando un tono muy diferente.Beto Gómez fue uno de los directores que participó en la primera edición de The Mexican Film Festival of the Americas de Chicago, donde fue reconocido con el galardón “Artista Emergente”. (filminlatino.mx)

Calificación

3 de 5 peli

Reseña: Moonlight (2016) de Barry Jenkins

moonMoonlight
Barry Jenkins

Productora(s): A24, Plan B Entertainment, Pastel Productions
Reparto: Trevante Rhodes, Naomie Harris 
País: Estados Unidos
Guionista(s): Barry Jenkins
Duración: 111 minutos
Disponible en: https://www.netflix.com/ 

Chiron es un chico afroamericano que crece en uno de los barrios más conflictivos y violentos de Miami. Desde su infancia, pasando por la adolescencia, hasta llegar a su etapa adulta, Chiron lucha por encontrar su lugar en el mundo, en un ambiente donde la violencia no da tregua. A medida que pasan los años, el joven vive una constante e intensa lucha interna, para descubrirse a sí mismo. Además de sufrir un constante acoso escolar, el fantasma de la homosexualidad se hace presente en la vida de Chiron. En su camino explorará la masculinidad, la sexualidad y tendrá que hacer frente a los conflictos de su desestructurada familia.

Segundo largometraje que dirige Barry Jenkins (Medicine for Melancholy), protagonizado por Alex R. Hibbert, Ashton Sanders (Straight Outta Compton) y Trevante Rhodes (Westworld), los tres actores que dan vida a Chiron en cada etapa de su vida. El filme cuenta con la participación de Naomie Harris (Belleza oculta), Janelle Monáe (Figuras ocultas), Mahershala Ali (Luke Cage) y André Holland (The Knick). (sensacine.com)

Yo te la recomiendo porque…

Esta película es la historia de Chiron (y muchos otros niños afroamericanos que posiblemente no tienen voz), en ella se narra cómo pasa de ser llamado “little” a “black” (estereotipos muy diferentes de persona) durante su vida, Chiron no tuvo precisamente lo que solemos llamar “vida fácil”, más bien una vida apremiante, dolorosa, caótica, etc., sus condiciones eran básicamente las siguientes, vivir en un barrio pobre junto a una mujer drogadicta, Paula, sin prácticamente ningún cuidado a su persona, ser huérfano, estar reprimido por sus orientaciones erótico-afectivas, sufrir bullying en la escuela (al igual que a Connor O’Malley le sucede, 2016, Un monstruo viene a verme).

Sin embargo lo más impactante para él fue su condición de homosexualidad[1] y que en el camino realmente estuvo solo salvo Kevin (compañero y vecino) que le asistió en algunos momentos, momentos que hasta el último le agradeció Black y Juan (narcotraficante, esposo de Teresa) quién le demostró una dirección de vida y que siempre debía defenderse frente a los demás y sus burlas, así es como nace Black de hecho, se puede apreciar en la cinta que Chiron es un niño sumamente sensible y fuerte, dio la respuesta de una imagen a la vida que le exigía una, fue mucho sufrimiento, preguntas, respuestas, inquietudes las que rodeaban su cabecita y siempre parecía insatisfecho, asqueado, retraído de la vida, cuando mira nuevamente a Kevin (André Holland) de adulto, siendo cocinero ya, es que se le ve feliz de cierta manera… O al menos eso aparenta…

Es una película recomendable que espero que les guste y si ya la vieron, déjenme en un comentario si concuerdan con lo que he dicho o que pueden agregar que lo hago.

Frases

No hablas mucho pero comes bastante.

– ¿Yo soy marica?
– No, tal vez gay pero nadie puede decirte marica.

He llorado tantas veces que siento que soy sólo una lágrima.

Sobre el director…

Barry.jpg

Barry Jenkins es un director de cine estadounidense nacido el 19 de noviembre de 1979. Es reconocido por dos trabajos notables: “Medicine for Melancholy” en 2008 y “Moonlight” en 2016. Además, ha sido nominado en los Premios Globo de oro y en la entrega de los Premios Oscar al mejor director. (es.wikipedia.org)

 

 

Tráiler

 

Calificación

2 de 5 peli


[1] Que sirve, sin duda, desde el cine para evidenciar lo trascendente de una condición sexual de una persona a lo largo de su vida, los roles que quiere desempeñar, cómo se quiere sentir, la búsqueda de aceptación, la construcción de su identidad, etc.

Reseña: Jongens (2014) de Mischa Kamp

sep4.jpgJongens
Mischa Kamp

Productora(s): 
Reparto: Gijs Blom, Ko Zandvliet
País: Países bajos
Guionista(s): Chris Westendrop, Jaap-Peter Enderle
Duración: 76 minutos
Disponible en: https://www.netflix.com/ 

Cuenta la historia de Sieger, un deportista y tranquilo muchacho de 15 años de edad que descubre el amor durante las vacaciones de verano. Sieger está entrenando en el nuevo equipo de atletismo para los campeonatos nacionales de relevo. (FILMAFFINITY)

Yo te la recomiendo porque…

Es una película de calidad, Jongens (boys) es cautivante, es una de las películas que he sentido personales/íntimas como, Ausente (2011) o Cuatro lunas (2014), es sobre “la relación” entre Sieger y Marc (Ko Zandvliet), aunque va sobre la línea de amor reprimido/coaccionado este filme sobre pasa en lo que a llevar lo gay al cine se trata.

Sieger, chico campesino, de clase baja que no tiene definido aún sus preferencias besa a Marc junto al lago, a partir de allí se comenzarán a conocer, a tratar (es un tanto irónico ya que en la vida real algo así me está sucediendo…) y a desenlazar el argumento de la película, muestra los sentimientos a profundidad y nos hace suspirar y exhalar bajo ciertos momentos.

Sobre el director…

Mischa.jpgNacida en 1970, Mischa Kamp estudió comunicación antes de convertirse en directora de cine. Después de dirigir varios cortometrajes, documentales, series y películas de televisión para Holanda, hizo una maravillosa película para niños Het paard van Sinterklaas (2005), sobre una niña china tratando de adaptarse a su nueva vida en Holanda. Se muestra en todo el mundo, la película fue tan exitosa que Mischa Kamp tuvo la oportunidad de filmar una secuela en 2007, Waar es het paard van Sinterklaas? (2007), que fue otra delicia para los niños y sus padres. (imdb.com)

Trailer

Calificación

5 de 5

Reseña: Cisne negro (2011) de Darren Aronofsky

joan-reseña3.jpegCisne negro
Darren Aronofsky

Productora(s): Protozoa Pictures, Phoenix Pictures
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis
País: Estados Unidos
Guionista(s): Mark Heyman, Andres Heinz, John J. McLaughlin
Duración: 108 minutos
Disponible en: http://www.repelis.net/pelicula/7067/el-cisne-negro.html

La trama de esta historia se centrara en una veterana bailarina de ballet de Nueva York – Portman que tiene una gran rivalidad con una compañera mas joven. Todo se acentua conforme se acerca una de las representaciones mas importantes del año aumentando si cabe todavia mas su enemistad. La parte sobrenatural del film tendra que ver con la misteriosa rival de Portman la cual no se sabe si sera una aparicion sobrenatural o unicamente se trata de la imaginacion de la protagonista. (repelis.net)

Yo te la recomiendo porque…

Una premisa interesante se da en una línea específica del diálogo:

«La perfección no es sólo tener control, sino también dejar ir…»

Es decir, bajo un punto de vista específico se vela por la posibilidad de que la perfección esté en el equilibrio de saberse en «control» pero al mismo tiempo, mantener cierto grado de «libertad». Es una premisa, y se queda allí, porque, a fines prácticos, un equilibrio tan anhelado como ése no se puede dar comúnmente. El factor «humano» detrás de cada persona reside en que ésta tiene el potencial de apasionarse de cierta forma por algo/alguien.

Lo que refleja Portman en sus facciones y en su actuar, es justamente la dualidad ya representada de variadas formas en el arte; y en distintos personajes como Dorian Gray o Jekyll/Hyde. Ése carácter que diferencia aquello que permanece en la superficie y lo que es meramente símbolo; lo consciente y lo inconsciente. Que lo haga en grados incomprensibles para gran parte de la humanidad se debe justamente a su elevada exigencia para consigo misma.

La obsesión, ciertamente, sólo se considera como un potencial efectivo e incluso necesario cuando funciona en pos del beneficio de quien tiene el poder (ya sea político, económico, administrativo o de otra clase más sutil). Cuando se observa a sí misma, como la uróboros, lo único que puede «contemplar» es una especie de caos. Porque, ya que ella representa una perseverancia sin sentido en busca de lo que le atrae (y que generalmente no tiene), al verse y sólo hallar anhelo, se resguardará en una impotencia. Una «impotencia» (o percepción de la propia fragilidad) que de un momento a otro la lleva al conflicto, y esto, desencadena la distorsión de la realidad. Es por ello que ciertas compulsiones obsesivas como no poder dejar de ordenar las cosas, o necesitar lavarse las manos constantemente, reflejan una exagerada percepción de las cosas.

Pero la obsesión no es sólo un anhelo constante e impotente (sólo en la propia percepción, en un gran número de casos), es también una «presión». Un cuchillo que se clava una y otra vez, un sangramiento que no lleva a la muerte sino en los casos más radicales y desatendidos. Sin embargo, es a raíz de una presión constante y potente la que permite la metamorfosis del carbón al diamante. Y ésta piedra preciosa sí es un vivo reflejo de la verdadera perfección, es decir, aquél estado por el cual, luego de un anhelo constante, de una presión potente, todo se disuelve. Ya no hay más presión, ni anhelo. Sólo hay algo nuevo.

La dualidad que representa la tendencia al conflicto del obsesivo, es quizá el factor más importante. El cisne blanco y el negro son las dos caras de una misma moneda que está en pos de. Nina es, plenamente, entonces, un personaje polémico; pero muy real. «Real» en el sentido que «representa una posibilidad cada vez más observable/apreciable». No, no es recriminable una actitud obsesiva, sirva o no al mecanismo de poder preponderante; ni mucho menos es desdeñable la búsqueda de una perfección. Lo único que podría intentar criticarse sería el dejar que la presión y el anhelo constante lleven a extremos entre los cuales la línea entre la vida y la muerte sea demasiado visible.

Pero, algo que si olvidó mostrar Aronofsky (aunque sí esté implícito), es que la crítica que permita el reconocimiento de hasta qué punto se está dispuesto a llegar por el anhelo, la debe de realizar por sí mismo el sujeto obsesivo. Ésta caracterización de la personalidad, no sólo busca lo que anhela (el principal objeto/persona que vuelve una y otra vez junto a la presión)sino, a raíz de su tendencia conflictiva, requiere saberse «en control» de sí. Es por eso que la intervención externa generalmente no influye en ningún modo; a menos que venga del principal objeto/persona del interés del obsesivo (y aún ante esta posibilidad, es difícil lograr algo). Es vital entonces buscar la disposición de ciertos estímulos, como dejó bien en claro Kunis con su interpretación, que permitan cierta disminución de la capacidad de alerta.

Se reconoce entonces que el obsesivo no sólo anhela el objeto de su «fijación» (pensamientos recurrentes), sino también el poder sobre sí mismo (lo que llega a confundir con libertad). Nina deseó la perfección, y lo hizo tan intensamente, que se enfrentó a sí misma (en distintas situaciones). No se le puede culpar por ello… Como se planteó en un principio, el factor «humano» detrás de cada persona reside justamente en su capacidad de sentir.

Ella conoció la perfección, o su nueva identidad (luego de la metamorfosis).

Ella sintió, y, más aún, pudo influir en el espectador para hacerle sentir también (ya sea una identificación, como el propio caso, o compasión, en una gran mayoría).

I felt it. Perfect. I was perfect.

Lo sentí. Perfección. Estuve perfecta.

Sobre el director…

darren.jpgDarren Aronofsky es un director de cine estadounidense nacido el 12 de febrero de 1969 en BrooklynNueva York. Hijo de Abraham y Charlotte Aronofsky, dos profesores de origen hebreo, descendientes de polacos. (es.wikipedia.org)

 

 

 

Trailer

Calificación

5 de 5.png


Escuché cuatro veces seguidas los 19:34 segundos del Lago de los cisnes mientras escribía esta reseña. Cabe destacar que conocía a Tchaikovsky con antelación, y había oído muchas (sino todas) sus composiciones. ¿Mi preferida sobre todas? La marcha eslava. ¿Le segunda preferida? La sínfonía número cinco, P-E-R-F-E-C-T-A (en el sentido en el que, a través del conflicto entre lágrimas y sonrisa, permite que me transforma, así sea sólo momentáneamente).