Reseña: Jongens (2014) de Mischa Kamp

sep4.jpgJongens
Mischa Kamp

Productora(s): 
Reparto: Gijs Blom, Ko Zandvliet
País: Países bajos
Guionista(s): Chris Westendrop, Jaap-Peter Enderle
Duración: 76 minutos
Disponible en: https://www.netflix.com/ 

Cuenta la historia de Sieger, un deportista y tranquilo muchacho de 15 años de edad que descubre el amor durante las vacaciones de verano. Sieger está entrenando en el nuevo equipo de atletismo para los campeonatos nacionales de relevo. (FILMAFFINITY)

Yo te la recomiendo porque…

Es una película de calidad, Jongens (boys) es cautivante, es una de las películas que he sentido personales/íntimas como, Ausente (2011) o Cuatro lunas (2014), es sobre “la relación” entre Sieger y Marc (Ko Zandvliet), aunque va sobre la línea de amor reprimido/coaccionado este filme sobre pasa en lo que a llevar lo gay al cine se trata.

Sieger, chico campesino, de clase baja que no tiene definido aún sus preferencias besa a Marc junto al lago, a partir de allí se comenzarán a conocer, a tratar (es un tanto irónico ya que en la vida real algo así me está sucediendo…) y a desenlazar el argumento de la película, muestra los sentimientos a profundidad y nos hace suspirar y exhalar bajo ciertos momentos.

Sobre el director…

Mischa.jpgNacida en 1970, Mischa Kamp estudió comunicación antes de convertirse en directora de cine. Después de dirigir varios cortometrajes, documentales, series y películas de televisión para Holanda, hizo una maravillosa película para niños Het paard van Sinterklaas (2005), sobre una niña china tratando de adaptarse a su nueva vida en Holanda. Se muestra en todo el mundo, la película fue tan exitosa que Mischa Kamp tuvo la oportunidad de filmar una secuela en 2007, Waar es het paard van Sinterklaas? (2007), que fue otra delicia para los niños y sus padres. (imdb.com)

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5 de 5

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Reseña: Cisne negro (2011) de Darren Aronofsky

joan-reseña3.jpegCisne negro
Darren Aronofsky

Productora(s): Protozoa Pictures, Phoenix Pictures
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis
País: Estados Unidos
Guionista(s): Mark Heyman, Andres Heinz, John J. McLaughlin
Duración: 108 minutos
Disponible en: http://www.repelis.net/pelicula/7067/el-cisne-negro.html

La trama de esta historia se centrara en una veterana bailarina de ballet de Nueva York – Portman que tiene una gran rivalidad con una compañera mas joven. Todo se acentua conforme se acerca una de las representaciones mas importantes del año aumentando si cabe todavia mas su enemistad. La parte sobrenatural del film tendra que ver con la misteriosa rival de Portman la cual no se sabe si sera una aparicion sobrenatural o unicamente se trata de la imaginacion de la protagonista. (repelis.net)

Yo te la recomiendo porque…

Una premisa interesante se da en una línea específica del diálogo:

«La perfección no es sólo tener control, sino también dejar ir…»

Es decir, bajo un punto de vista específico se vela por la posibilidad de que la perfección esté en el equilibrio de saberse en «control» pero al mismo tiempo, mantener cierto grado de «libertad». Es una premisa, y se queda allí, porque, a fines prácticos, un equilibrio tan anhelado como ése no se puede dar comúnmente. El factor «humano» detrás de cada persona reside en que ésta tiene el potencial de apasionarse de cierta forma por algo/alguien.

Lo que refleja Portman en sus facciones y en su actuar, es justamente la dualidad ya representada de variadas formas en el arte; y en distintos personajes como Dorian Gray o Jekyll/Hyde. Ése carácter que diferencia aquello que permanece en la superficie y lo que es meramente símbolo; lo consciente y lo inconsciente. Que lo haga en grados incomprensibles para gran parte de la humanidad se debe justamente a su elevada exigencia para consigo misma.

La obsesión, ciertamente, sólo se considera como un potencial efectivo e incluso necesario cuando funciona en pos del beneficio de quien tiene el poder (ya sea político, económico, administrativo o de otra clase más sutil). Cuando se observa a sí misma, como la uróboros, lo único que puede «contemplar» es una especie de caos. Porque, ya que ella representa una perseverancia sin sentido en busca de lo que le atrae (y que generalmente no tiene), al verse y sólo hallar anhelo, se resguardará en una impotencia. Una «impotencia» (o percepción de la propia fragilidad) que de un momento a otro la lleva al conflicto, y esto, desencadena la distorsión de la realidad. Es por ello que ciertas compulsiones obsesivas como no poder dejar de ordenar las cosas, o necesitar lavarse las manos constantemente, reflejan una exagerada percepción de las cosas.

Pero la obsesión no es sólo un anhelo constante e impotente (sólo en la propia percepción, en un gran número de casos), es también una «presión». Un cuchillo que se clava una y otra vez, un sangramiento que no lleva a la muerte sino en los casos más radicales y desatendidos. Sin embargo, es a raíz de una presión constante y potente la que permite la metamorfosis del carbón al diamante. Y ésta piedra preciosa sí es un vivo reflejo de la verdadera perfección, es decir, aquél estado por el cual, luego de un anhelo constante, de una presión potente, todo se disuelve. Ya no hay más presión, ni anhelo. Sólo hay algo nuevo.

La dualidad que representa la tendencia al conflicto del obsesivo, es quizá el factor más importante. El cisne blanco y el negro son las dos caras de una misma moneda que está en pos de. Nina es, plenamente, entonces, un personaje polémico; pero muy real. «Real» en el sentido que «representa una posibilidad cada vez más observable/apreciable». No, no es recriminable una actitud obsesiva, sirva o no al mecanismo de poder preponderante; ni mucho menos es desdeñable la búsqueda de una perfección. Lo único que podría intentar criticarse sería el dejar que la presión y el anhelo constante lleven a extremos entre los cuales la línea entre la vida y la muerte sea demasiado visible.

Pero, algo que si olvidó mostrar Aronofsky (aunque sí esté implícito), es que la crítica que permita el reconocimiento de hasta qué punto se está dispuesto a llegar por el anhelo, la debe de realizar por sí mismo el sujeto obsesivo. Ésta caracterización de la personalidad, no sólo busca lo que anhela (el principal objeto/persona que vuelve una y otra vez junto a la presión)sino, a raíz de su tendencia conflictiva, requiere saberse «en control» de sí. Es por eso que la intervención externa generalmente no influye en ningún modo; a menos que venga del principal objeto/persona del interés del obsesivo (y aún ante esta posibilidad, es difícil lograr algo). Es vital entonces buscar la disposición de ciertos estímulos, como dejó bien en claro Kunis con su interpretación, que permitan cierta disminución de la capacidad de alerta.

Se reconoce entonces que el obsesivo no sólo anhela el objeto de su «fijación» (pensamientos recurrentes), sino también el poder sobre sí mismo (lo que llega a confundir con libertad). Nina deseó la perfección, y lo hizo tan intensamente, que se enfrentó a sí misma (en distintas situaciones). No se le puede culpar por ello… Como se planteó en un principio, el factor «humano» detrás de cada persona reside justamente en su capacidad de sentir.

Ella conoció la perfección, o su nueva identidad (luego de la metamorfosis).

Ella sintió, y, más aún, pudo influir en el espectador para hacerle sentir también (ya sea una identificación, como el propio caso, o compasión, en una gran mayoría).

I felt it. Perfect. I was perfect.

Lo sentí. Perfección. Estuve perfecta.

Sobre el director…

darren.jpgDarren Aronofsky es un director de cine estadounidense nacido el 12 de febrero de 1969 en BrooklynNueva York. Hijo de Abraham y Charlotte Aronofsky, dos profesores de origen hebreo, descendientes de polacos. (es.wikipedia.org)

 

 

 

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5 de 5.png


Escuché cuatro veces seguidas los 19:34 segundos del Lago de los cisnes mientras escribía esta reseña. Cabe destacar que conocía a Tchaikovsky con antelación, y había oído muchas (sino todas) sus composiciones. ¿Mi preferida sobre todas? La marcha eslava. ¿Le segunda preferida? La sínfonía número cinco, P-E-R-F-E-C-T-A (en el sentido en el que, a través del conflicto entre lágrimas y sonrisa, permite que me transforma, así sea sólo momentáneamente).

Reseña: Un monstruo en París (2011) de Bibo Bergeron

joan-reseña2.jpgUn monstruo en París
Bibo Bergeron

Productora(s): EuropaCorp Distribution
Reparto: Francoeur, Lucille, Raoul, Victor Maynott, Maud…
País: Francia
Guionista(s): Stéphane Kazandjian
Duración: 90 minutos
Disponible en: http://www.locopelis.com/pelicula/12559/un-monstruo-en-paris.html 

Hacia 1910, en París, una extraña criatura tiene aterrorizada a la población. Emilio y Raúl, dos hombres que no tienen nada en común y no muy predispuestos a la aventura, emprenden la caza del monstruo. Gracias a esta misión lograrán encontrarse a sí mismos, descubrir el amor y romper con toda clase de prejuicios, lo que les lleva a albergar dudas sobre la verdadera naturaleza de ese extraño ser. (locospelis.com

Yo te la recomiendo porque…

El verdadero carácter o personalidad de una historia generalmente surge cuando se deja de lado su aparente sencillez, y se está dispuesto a profundizar. De eso nos advertía ya Wilde cuando dijo que todo arte era a su vez «superficie y símbolo», y, que, quien sólo se enfocaba en la/el superficie/símbolo, lo hacía a su propio riesgo. Y es que, una obra de arte, no podría ni debería dejar indiferente a todos… Para terminar de dar una base razonable, habría que definir qué es «arte»; ¿acaso se podría? ¡Por supuesto que sí! Y mientras la definición más corta esté, más sencilla habrá de entendersé (sí, con la tilde puesta) El arte es, en cualquiera de sus formas, «expresión» o la cualidad/capacidad de representar un(a) idea, sentir, acción.

¡Expresión! Eso es lo que puede verse desde un comienzo, ante los dibujos en blanco y negro, que luego cobran vida. Primero un título, «Romance de primavera»; luego un subtítulo, «Un monstruo de París». Una música evocadora, nostálgica, envuelven con aire misterioso. A primera vista un ciudadano algo tímido, que se ruboriza al ver a la querida compañera de trabajo. Luego un ególatra potencial, que se enorgullece de un abrigo de heno. El discurrir de relaciones amistosas sutiles alientan la sonrisa en el rostro, un tímido joven se encuentra con su amigo, que lo lleva a una tienda donde debe de buscar una pieza vital para reparar el proyector del cine donde trabaja. Un humor precario y fino en distintas ocasiones se vislumbra desde ya, al mismo tiempo que ambos amigos, recorren al París inundado por el Sena (1910 – http://bit.ly/1hl7hAa).

Las circunstancias se aglomeran hasta el punto en que, lo que parecía ser una especie de comedia romántica juvenil pasa a ser algo más, algo impreciso. Kafka recordaría entonces a Gregorio Samsa, y es lo que primero se sospecha ¿cuál de los dos amigos habrá sido transformado? La cuestión se resuelve inmediatamente, y comienza así un rechazo extremado por todo París por algo que ni siquiera se ha visto en toda su integridad. ¡Pero esto parece sólo un recuento del argumento! ¿De qué sirve? Ciertamente, recapitular lo que sucedió, con el propósito principal de luego opinar sobre él, se hace en todos los casos, consciente o inconscientemente.

¡Sensibilidad! o la cualidad/capacidad de no tratar con rechazo/indiferencia a algo/alguien  El arte es expresión, porque capta todo con tez curiosa y lo representa. Y de entre el rechazo, el orgullo y el prejuicio, existe al menos una persona que confía y protege al «monstruo» quasi-kafkiano (en apariencia). Así, renace la esperanza; se reforza la persecución, y la curiosidad de los amigos redirige sus vidas. La concepción de que, entonces, para que algo cambie es necesario un factor-influyente-externo, o, refiriéndolo con la psicología contemporánea, aquello que esté fuera de la zona de «confort», adquiere de nuevo poderío. Sin embargo, se puede entender que, aparte del factor externo es necesario, esencial, tener la voluntad de…

El «monstruo» ya no «en» sino de París, podría concebirse entonces como «el monstruo común a toda cotidianidad», una especie de «monstruo» universal y a la vez individual, que, sin importar si fuese una pulga, un escarabajo, o sólo una nube de incertidumbre en la mente, forma parte de todos. Pero ¿qué es el monstruo? ¿Sólo miedo? ¿sólo duda? ¿sólo el rechazo sutil de lo que se vuelve repetitivo en cada individualidad? El monstruo es la inocencia, el potencial creador que, sin saberlo o reconocerlo, se determina como «innecesario» en un punto determinado de la existencia, y, por lo tanto, el que, en su ausencia, permite que todo se considere con excesiva frialdad y racionalidad.

No es la sencillez de ésta poética/perfecta ambientación del panorama de la psique colectiva [llevada a cabo por Bibo Bergeron http://imdb.to/18tKZKL], lo que realmente se puede apreciar en todas sus melodías, en todas sus miradas, en sus palabras; es su voluntad de sin-intentar ser/significarlo todo; ser algo. Sólo cabría esperar que «el monstruo» de la inocencia, de la decadente originalidad, dejase de ser/significar «monstruo» alguna vez.

Sobre el director…

biboEric “Bibo” Bergeron es un animador francés y director de cine. Su trabajo incluye The Road to El Dorado y Shark Tale.

Bergeron ha servido como animador en películas como Astérix en Gran BretañaAsterix y la Gran LuchaFievel Goes WestFerngully: ¡La última selvaWe’re Back! La historia de un dinosaurio , todos los perros van al cielo 2una película torpeel gigante de hierro, las aventuras de Pinocchio y la película de la abeja. (en.wikipedia.org)

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5 de 5 peli

Reseña: Reverón (2011) de Diego Rísquez

joan-reseña1.pngReverón
Diego Rísquez

Productora(s): Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), Producciones Guakamaya
Reparto: Luigi Sciamanna, Sheila Monterola, Nicolás Ferdinandov, Luis Fernández
País: Venezuela
Guionista(s): Armando Coll, Diego Rísquez, Luigi Sciamanna
Duración: 110 minutos
Disponible en: http://www.locopelis.com/pelicula/803/reveron.html

Se trata de una historia de amor que transcurre entre 1924 y 1954 a la orilla del Mar Caribe donde descubrimos el universo del gran artista plástico venezolano Armando Reverón, su relación con Juanita su musa e inseparable compañera, los amigos que los frecuentan, la construcción y recreación de los objetos que forman su mundo, su obsesión por la luz del trópico que lo enceguece. Veremos el desarrollo de su enfermedad mental y el universo lúdico, afectivo y doloroso dentro de ese espacio mágico denominado El Castillete. (FILMAFFINITY)

Yo te la recomiendo porque…

La locura, siempre ha podido ser diagnosticada sin reparos en aquellos individuos que, por ciertas conductas o pensamientos recurrentes, se diferencian parcial o absolutamente a la mayoría aceptada y reconocida. La genialidad, se atiene al mismo concepto básico; personalidades distintas que, en vez de ser rechazadas y recluidas a habitaciones blancas, son rechazadas o no, pero siempre permanecen profundamente respetadas, a lo menos. Es así que realizar una distinción entre genialidad y locura, es, para muchos, una cuestión demasiado subjetiva; o, por otro lado, demasiado dicotómica.

Sin embargo, es una cuestión que llega a la mente de manera indudable para aquél/aquella que ve con suficiente interés la obra de Diego Rísquez del 2010, titulada simplemente, y con la mayor fuerza poética, «REVERÓN». Una obra que, al menos, pone en duda, la percepción de la realidad que se tiene sobre las cosas ¿Por qué? ¿Acaso transcurre con varios discursos filosóficos? ¿Escenas dramáticas que se sirven de una nostalgia por lo que nunca se vió? El único discurso que dice el propio protagonista se resume en esas tres palabras: todo es luz. Y, aún así, en sus lágrimas, por la falta de comprensión del resto en lo que respecta a lo que él verdaderamente sentía por su arte, es cuando uno comienza a  vislumbrar esa duda que lo deja a uno inválido, deshecho, postrado frente a la cuestión que, si se resolviera, evitaría muchas nostalgias y sufrimientos: ¿Qué distingue a la genialidad de la locura? ¿Su manifestación? ¿Su expresión?

Pero «REVERÓN» es mucho más que el retrato singular de un artista subestimado con creces, es  el intento de un rapto. Sí, Rísquez intentó con maestría el rapto de nuestra atención, e incluso de nuestra voluntad… Sin importar que el público fuese extranjero o nativo, aparte de cuestionar la percepción sobre las cosas en lo que respecta a los juicios que se puedan construir con base a determinadas ideas o conductas, plantea el desinterés y la crueldad con la que se pretende rechazar o ignorar lo que verdaderamente le es común a uno; el arte propio o aprendido, que se manifiesta desde y en las entrañas de la tierra propia, donde uno pertenece, por haber nacido dentro de ciertos límites geográficos. Y este último planteamiento no se hace directamente, eso es cierto; es más una idea que surge cuando, al ver la originalidad/genialidad del personaje que se intentó describir en la obra, puede reconocer uno la propia ignorancia o indiferencia que generalmente aplica a las cuestiones referidas a las ideas surgidas y desarrolladas en las personas que, vivieron o aún lo hacen bajo un mismo territorio. Y no es cuestión de mero patriotismo, sino de la justa apreciación que debería de tener cualquier manifestación artística, sin importar la región geográfica a la que pertenezca su autor(a).

Por otra parte, hay un discurso pronunciado a través de la actuación de Sciamanna, y es uno que se podría atribuir a numerosos artistas esteticistas que, explican el por qué del sentir de Reverón con su pintura, a través de sólo una frase: el arte por el arte. Es decir, bajo la óptica de este pintor y otros artistas, el arte sólo debería darse con el fin de exaltarse a sí mismo; y, bajo esta perspectiva, es más que aborrecible la idea de crear algo, pensando sólo en la retribución económica. ¿Debe entonces vivir el poeta del aire con el pronuncia sus versos? ¿Debe el pintor vivir de la luz y la oscuridad que inspira sus cuadros? ¿Debe el músico vivir del baile que se provoca a sí mismo, con sus melodías? No, eso tampoco es lo que se quiere decir. Es esencial que se pueda tener cubiertas las necesidades básicas propias, pero, lo que sí se proclama con firmeza, es que no se puede pretender vivir del arte; porque éste en sí mismo, es una necesidad que requiere ser cubierta, y no debiera ser asumido condicionalmente como un medio para satisfacer las otras necesidades que se pudiesen tener.

A su misma vez, el pensamiento que explicaba que todo es luz, podría asumirse como analogía entre los conceptos de genialidad y locura, y, bajo la premisa de que al compartir tantas características, sólo se pueden reconocer como parte de una misma cosa en sí, sería más que particular decir que a la cosa que pertenecen, es la razón misma. Es decir, que pertenecerían al potencial desarrollable para relacionar elementos de igual o distinta naturaleza, y al hacer esto, poder compararlos, observarlos, analizarlos. Si se continuase la analogía, sería recomendable recordar las palabras del propio protagonista pronunciadas como respuesta a una pregunta:

La esencia de mi arte es el blanco, y la mierda.

Es así que, la genialidad podría ser representada por el blanco, y la mierda podría representar la locura. ¿Por qué necesariamente en ese respectivo orden? Porque, la genialidad se podría describir como aquél conjunto de pensamientos y conductas recurrentes que, desembocan unidireccionalmente, en el acto de creación;  y esta acción misma, desde tiempos inmemoriales, se identifica siempre con lo alto, lo difícil de alcanzar, y esto, relacionándolo con todo es luz podría identificar al sol  como su representación, pero lo más cercano a su figura es la mera blancura. Continuando, si la genialidad y la locura fuesen partes de una misma cosa, podría establecerse la mayor o menor manifestación de una sobre la otra, o su combinación, a través del establecimiento de distintos niveles de percepción sobre la realidad, y del tipo de expresión que conllevaría el querer plasmar de alguna manera lo que, con la mayor o menor presencia de una, se pusiese a disposición del conocimiento propio que se pudiese tener. Si se aceptara como válida esta premisa, tanto locura como genialidad, serían parte de un mismo potencial, y su mayor  o menor expresión en la conducta y en las ideas de una persona, no tendrían por qué distinguirla como se hace, ya que, se reconocería que lo que manifiesta con mayor apasionamiento otra individualidad, forma parte de la naturaleza propia, y lo que no, sería un potencial no-desarrollado.

Sobre el director…

diegorisquez.520.360Diego Rísquez Cupello (Juan GriegoVenezuela15 de diciembre de 1949) es un director de cine venezolano.

Estudió comunicación social en la Universidad Católica Andrés Bello, pero la abandonó para dedicarse al teatro. Recibió clases de actuación por parte de Levy Rosell, y viajó por Europa]] y Asia. En 1975 regresó a Venezuela para iniciarse como cineasta y artista plástico. Es uno de los ocho supuestos implicados en el asesinato del niño Carlos Vicente Vegas Pérez (Caso Vegas Pérez), famoso caso suscitado en Venezuela en la década de los años 70, el cual quedó impune supuestamente debido al tráfico de influencias, manejo del poder político y económico, aun cuando dentro de la investigación encabezada por el Comisario Fermín Mármol León, se supone que había pruebas contundentes que determinaban la culpabilidad de los acusados. Este caso estuvo plagado de irregularidades, sobre todo por tratarse de una época muy convulsiva en la historia de Venezuela, donde los jóvenes se rebelaron contra las injusticias del sistema imperante, motivados por la contracultura del poder joven y la rebeldía del Mayo Francés. (es.wikipedia.org)

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5 de 5 peli

Reseña: The babadook (2014) de Jennifer Kent

baba.jpgThe babadook
Jennifer Kent

Productora(s): Causeway Films
Reparto: Noah Wiseman

País: Australia
Guionista(s):  Jennifer Kent
Duración: 94 minutos
Disponible en: https://www.netflix.com/ 

Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) no se ha recuperado todavía, pero tiene que educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel llega al convencimiento de que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales. (FILMAFFINITY.com)

Yo te la recomiendo porque…

De las pocas películas que sí pueden aproximarse al terror. Realmente es recomendable, debo confesar que desde un principio tenía una duda ¿valdrá la pena? sin embargo poco a poco no sólo contesté a esta pregunta mental sino que se disipó. Es bueno ver una producción así en medio de tanta posesión demoníaca que poco se interesa con la cultura de una persona o grupo.

Como ya se ha escrito en es-wikipedia el argumento no es sólo película sino también de un libro llamado Babadook, yo le encuentro parecido con la aparición “la sombra con sombrero” que es muy famosa y le puede investigar fácilmente en internet, no os defraudará, debes verla, véras cinéfilo en llamas (así llamo a los seguidores de este blog) como pienso llevar las reseñas es así, películas que se hallen de 3-5 estrellas y considere se ameritan una reseña, lo haré, caso contrario no lo haré —a pesar de la cantidad de estrellas— mientras que en el caso de películas de 0-2 estrellas no les haré reseñas sino que haré una breve recensión de estas en la nueva sección “Novedades 2017” por mes, esto lo he decidido así porque es todo un lío hacer reseña —por más que quiera— de cada producción que vea (SON MUCHAS), bueno, cerrando el comercial, continuo con la película.

La película muestra el caso de Samuel y Amelia que, son perseguidos por esta fuerza anteriormente mencionada, en el proceso de combatirle —ya que la Sra. está muy aferrada a no buscar ayuda— su mente les va tendiendo juegos macabros (como sucede en la película The ouija) y el hombre con sombrero les rodea cuál conejillos de indias, Samuel es el más racional de todo esto, predisponiendo la vida a la muerte (en el caso de la mamá es lo contrario), siempre estarás entretenido.

Sobre el director…

Jennifer.jpgJennifer Kent es una actriz y cineasta australiana conocida por su película de debut: The Babadook. (es.wikipedia.org)

 

 

 

 

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3 de 5 peli

Reseña: Monster University (2013) de Dan Scanlon

Monster UniversityMonster.jpg
Dan Scanlon

Productora(s): Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios
Reparto: Michael “Mike” Wazowski
País: Estados Unidos
Guionista(s): Dan Scanlon, Daniel Gerson y Robert L. Baird
Duración: 104 minutos
Disponible en:  https://www.netflix.com/

Desde que era un pequeño monstruo y antes de entrar en la universidad, Mike Wazowski (voz de Billy Crystal) ya soñaba con convertirse en un Asustador y él sabía, mejor que nadie, que los mejores asustadores salen de Monstruos University (MU). Pero durante su primer semestre en la MU, los planes de Mike se van al garete al cruzarse con el popular James P. Sullivan, “Sulley” (voz de John Goodman), un Asustador nato. Por culpa de su desenfrenado espíritu competitivo, ambos son expulsados del prestigioso Programa de Sustos de la Universidad. Y para empeorar las cosas, se verán obligados a trabajar juntos con una extraña pandilla de monstruos inadaptados… si es que quieren arreglar su situación. (elseptimoarte.net)

Yo te la recomiendo porque…

Siempre te mantiene entretenido y despierto, también es raro que una producción de Pixar defraude, ya le había visto, por supuesto, con anterioridad, de hecho la vi en la pantalla grande pero por ese entonces, 2013, no había sistematizado esto de las reseñas, hoy en día puedo dedicarle una.

Se trata de la precuela de Monster, Inc. (2001) de Peter Docter y Lee Unkrich (este último es el director de Buscando a Nemo junto a Andrew Stanton, 2003), obra de la cual pienso que también escribiré algo sobre ella.

En esta producción se habla de cuando Sulley y Mike se vieron/conocieron en la Facultad de Sustos de la Monster University, Sulley, se dice, viene de una familia famosa como asustadores mientras que Mike es probante, pobre, luchador, de una familia desconocida y mal vista. Desde un primer contacto no se llevaron bien sin embargo las circunstancias cambian tras que Mike se ve obligado a mostrar/demostrar a todos que él puede asustar… Serán mucho más que amigos, prácticamente hermanos… Venciendo y cumpliendo sus sueños.

Frases

Tu no asustas Mike, ni un poco siquiera, pero no le temes a nada.

Sobre el director…

Dan.jpg

Dan Scanlon es un director y artista del storyboard en Pixar .

Scanlon asistió al Columbus College of Art and Design en Columbus, Ohio, donde se graduó con un BFA en 1998 . Antes de venir al estudio, fue animador de The Indescribable Nth y Joseph: King of Dreams . Él sirvió como artista del storyboard para la pequeña sirena II: Regreso al mar y 101 dálmatas II: La aventura de Londres del remiendo. (pixar.wikia.com)

Calificación

3 de 5 peli

Reseña: Valerian y la ciudad de los mil planetas (2017) de Luc Besson

pelicula3.jpgValerian y la ciudad de los mil planetas
Luc Besson

Productora(s): EuropaCorp, Fundamental Films, Gulf Films
Reparto: Cara Delevingne, Rihanna
País: Francia
Guionista(s): Luc Besson
Duración: 137 minutos
Disponible en:

A través de una máquina del tiempo, los agentes terrícolas Valerian y Laureline están explorando Syrte, el principal planeta de un sistema de 1000 mundos. Su misión es descubrir si en el futuro los Syrtians representan un peligro para la Tierra. Lo que encuentran es un imperio en ruinas liderado por un grupo de aristócratas decadentes, la población lista para la revolución, y una misteriosa casta de sabios enmascarados que discretamente mueve los hilos de unas fortalezas ocultas. Agitados por los vientos de la historia, los agentes de la Tierra deberán elegir de qué lado están. (cinetux.online)

Yo te la recomiendo porque…

Nunca me ha decepcionado Luc Besson con su producción, Valerian y la ciudad de los mil planetas es imperdible (y eso que no me considero un fan de sci-fi), si hay algo que caracteriza a Besson es la autenticidad, trae un respiro en medio de las producciones Marvel, DC, etc. —esto mismo lo dijo el director en una entrevista que le realizaron—.

Se me hace sumamente recomendable en lo personal y a pesar de que no me gustaba/agradaba Cara Delevingne por su participación en Ciudades de papel (2015) de Jack Schreier (véase reseña) reconozco que es muy guapa y actriz potente, en cuanto a Dane DeHaan es la primera vez que lo miro en una película, supongo… No tengo nada más que decir al respecto de él, en esta película aparece Rihanna (véase) y eso le da un gran plus (es propio de Besson, como lo era de Stanley Kubrick el colocar a mujeres muy guapas en sus producciones).

El guión es sobre lo siguiente, el Mayor Valerian (DeHaan) junto al Sargento Laureline (Delevingne) se encuentran buscando por ordenes mayores una pelota (negra, metálica) que tiene una enorme energía, con ella se desarrollará el sistema, sin embargo las cosas no salen cómo esperaban y se volverá una persecución por lo mil planetas (título) muy divertida, enigmática… El Mayor se halla enamorado de Laureline aunque no es bueno expresándolo, ello brinda un ambiente ameno en el transcurso, poderosos seres habitan el universo y cada uno busca sus intereses, ¿serán capaces de hallar la pelota metálica?

Frases

No empieces lo que no puedes terminar.

La vida no es fácil cuando no tienes una identidad propia.

Si no haces las paces con tu pasado, usted no tendrá futuro.

Sobre el director

Luc.jpg

Luc Besson (n. París18 de marzo de 1959) es un director de cineguionistaescritor y productor francés. Entre sus obras se destacan El gran azulNikitaLéonEl quinto elementoArthur y los MinimoysThe TransporterLucy y Valerian y la ciudad de los mil planetas. Ha ganado numerosos premios franceses e internacionales de cine. (es.wikipedia.org)

 

 

Calificación

3 de 5 peli